絵画とは、イメージを定着させるための場所であると同時に、知覚そのものが少しずつ解体されていく「場（Site）」なのではないかと思っています。
これまで私は、ニコラ・ブリオーが提唱した「関係性の美学（Relational Aesthetics）」の実践に近いかたちで、地域アートの領域において、他者との協働や、そこから生まれる変化する関係性について考えてきました。
現在、その探求は、平面という二次元のグリッドへと移行しています。
しかし、根底にある関心は変わっていません。
かつて社会的なコンテクストへと向けていた視線は、現在では、絵画という自律した構造体と、それを見る鑑賞者とのあいだに生まれる、より小さな関係性へと向かっています。
この転向の中で、画面に介入する「マスキングテープ」は、イメージを貼り重ねていくコラージュ（構築）と、それを剥ぎ取っていくデコラージュ（解体）を同時に行うものとして、絵画の構造そのものに介入する行為となっています。
アクリル、油彩、転写のあいだに重ねられていくこれらの行為は、過去に行ったことを完全に消すのではなく、時間の中に遅延させながら画面へと残していくものです。
それは、過去の行為が画面の中に痕跡（Trace）として蓄積されていくことでもあります。
ここで扱われる風景や室内は、ひとつの確定した意味を持つものではありません。
それらは、見るという行為によってはじめて、その状態が決まっていくものとして存在しています。
量子力学における非決定性（Indeterminacy）のように、見る者の視線に触れるまで、ひとつの像として確定されることなく、いくつかの可能性のあいだを揺らぎ続ける。
私は、風景や室内をそのような曖昧な図像として配置しています。
本展「ART HUB NAGOYA」では、空間を「室内（プライベートな閉域）」、「風景（消費される開かれた表象）」、そして「記憶の断片」という三つの位相に分けて考えています。
ここに介入する「鏡」は、実際の空間を作品の中へと引き込みます。
鏡が映し出す反転した像は、見る者を単に「見る（Looking）」という行為から、その像の先にあるものを補おうとする「想像（Imagining）」の領域へと移していきます。
そこでは、作品と空間、見る側と見られる側の境界が少しずつ曖昧になっていきます。
本展は、イメージと空間、視覚と認識の境界線上に生じるエラーや違和感を通して、絵画が成立する根源的な「場所性」をもう一度呼び起こす試みです。

橋本直明